Nuova Industria Musicale e Dintorni

La scommessa sulla nuvola (che ci segue sul cellulare)

Dato che il vantaggio su cui fanno leva i servizi di cloud music è la possibilità di accesso alla propria collezione musicale in ogni momento da ogni luogo, non sorprende che negli ultimi sei mesi vi sia stata una esplosione di servizi per mobile phone. Servizi di due tipi: streaming di musica scelta dalla library del servizio, accessibile in genere tramite abbonamento, oppure streaming della propria musica precedentemente uploadata sui server della compagnia (online music lockers service, come ad esempio MP3Tunes o mSpot); in questi casi si paga generalmente per gli account premium che forniscono maggiore spazio di archiviazione.

Sia nuove start-up che grandi compagnie puntano quindi sul boom di questo mercato e sull’appeal dei vantaggi offerti: comodità (non dover trasferire la musica su diversi dispositivi di riproduzione), economicità (con circa 10 dollari al mese si può accedere alla fruizione in streaming di tutta la musica disponibile invece di scaricare 10 brani da iTunes). E’ questa la scommessa su cui stanno investendo  MOG, Thumbplay, Rhapsody, Microsoft, Google, Hewlett Packard, Rdio (creata dai fondatori di Kazaa e Skype), la stessa Apple e Spotify. (Se poi parliamo in senso più ampio di piattaforme per ascoltare musica in streaming pagando un abbonamento possiamo considerare anche le radio con programmazione personalizzabile, alcune delle quali cominciano ad essere accessibili da cellulare, come Pandora e Slacker).

Pochi giorni fa Billboard ha però pubblicato un articolo non particolarmente incoraggiante. Il mercato della musica in abbonamento non cresce, anzi: il numero di iscritti a Rhapsody è quasi dimezzato nell’ultimo anno (mentre Pandora guadagna molto più dalla pubblicità che dagli abbonamenti). L'articolo riporta anche come non tutti nel settore manifestino ottimismo.

Ci sono diversi limiti da superare. Il primo riguarda una vecchia obiezione: i servizi di cloud music dovrebbero non solo consentire di costruire (e mostrare) la propria collezione di musica ma – soprattutto - di non perderla nel momento in cui si interrompe l’abbonamento a un determinato servizio. Al momento non sembra che l’utilizzo di file in luogo di supporti fisici stia generando nuove pratiche che ereditino significati e funzioni del collezionismo, né che stia ridimensionando la rilevanza di quest’ultimo. La possibilità di costruire e stabilizzare una propria collezione di musica ha contribuito a sorreggere il mercato dei supporti fisici (non solo fonografici). Le playlist condivisibili attraverso vari tipi di piattaforme stanno in parte assolvendo alcune delle funzioni comunicative associate alla collezione (su questo rimando all’articolo nel nuovo numero della rivista In-Formazione, ed. Falzea); tuttavia i piaceri e i significati ben raccontati da Nick Hornby, la possibilità di appropriarsi – letteralmente – di un repertorio rappresentativo di gusti, esperienze e percorsi, possibilità che contribuisce a dare senso e valore al lavoro continuo di ricerca, ascolto e investimento nella musica, non sembrano soddisfatti dalle nuove modalità di offerta che affiancano quelle tradizionali. Il che non costituisce un problema finché si tratta, appunto, di affiancare vecchi e nuovi modelli, ma dalle parole di molti operatori sembrerebbe che buona parte del settore auspichi – e si aspetti – che questi servizi sostituiscano progressivamente il downloading, così da risolvere una volta per tutte il problema delle copie non autorizzate. Qui sorgono anche questioni tecniche: come dimostrano i numerosi client nati per “scaricare” i video da You Tube, creare applicazioni che consentano di trasformare lo streaming in downloading non è impresa impossibile. Inoltre alcuni analisti prevedono che l’accesso a cataloghi pressoché sterminati salvati direttamente sui propri dispositivi di riproduzione sarà reso possibile dal costante aumento della loro capacità di archiviazione, mentre l’istituzionalizzazione planetaria dello streaming come unico meccanismo di accesso alla fruizione musicale da parte di ogni singolo individuo potrebbe creare problemi per un uso efficiente della banda wireless (per queste osservazioni rimando a un post di Cory Doctorow).

Potrebbe allora avere più senso pensare i servizi di streaming non come nuovo modello di business “strutturante” (e rigenerante) il sistema ma come parte di un nuovo ecosistema che integri in modo strategico diversi tipologie di offerta e modelli di business.

Ai musicisti che usano il web per promuoversi: più empowerment o più difficoltà?

Un post in cui sono incappato qualche giorno fa mi ha riportato ad argomenti su cui ho conversato di recente, sia con amici che suonano - nel senso che fanno concerti e pubblicano dischi, indipendentemente o con un etichetta tradizionale - sia con musicisti contattati nel corso di alcune ricerche. Argomenti che riguardano la crescente disponibilità di tools 2.0 per gestire autonomamente la promozione delle proprie creazioni o dei propri progetti musicali (dai social network a servizi più specifici e articolati , fino alle piattaforme di crowdfunding).

Considerazioni e valutazioni (il più delle volte convergenti) sull’utilità di queste piattaforme emergono sia in relazione all’affollamento in rete di utenti-musicisti e proposte musicali (1), sia in relazione alla possibile efficacia del “self-management” da parte di chi muove i primi passi ed è ancora sostanzialmente sconosciuto (2).

1) Molte delle piattaforme che nascono con l’obiettivo di fornire ai musicisti strumenti per farsi conoscere e rendere visibile (ascoltabile) il proprio lavorotendono in breve tempo ad essere frequentate più da musicisti in cerca di pubblico che da curiosi in cerca di musica. Chi oggi usa MySpace o servizi più recenti per promuoversi si trova ad avere contatti soprattutto con altri gruppi che fanno lo stesso. Ciò anche in virtù dell’aumento del dilettantismo: il fatto che sempre più persone suonino andrebbe di pari passo col fatto che sempre più persone siano alla ricerca di un pubblico che li ascolti. Così come il proliferare di siti che forniscono una servizio a chi desidera proporre la propria musica o i propri progetti frammenta ulteriormente l’audience, diminuendo le chances di raggiungere una massa critica utile ad emergere dalla folla di proposte. Fa da contraltare a questo argomento un’altra osservazione, sintetizzata nel commento di Phil al post segnalato: non solo le persone che suonano sono anche ascoltatori ma anzi sono i più appassionati (e competenti, in grado quindi, potenzialmente, di fornire un feedback particolarmente utile). In linea di principio, dunque, la facilità di accesso alla pratica musicale da un lato alimenta passione e competenze di ascolto, allo stesso tempo stesso aumenta il numero di persone in cerca di ascoltatori. Ma in concreto cosa incontrano nella loro esperienza i musicisti che utilizzano le piattaforme musicali 2.0, più competenza o più competitors?  

 

2)     Altre volte il discorso è un po’ diverso. Il pubblico c’è ed è raggiungibile (e “aggregabile”) ma l’ipertrofia dell’offerta rende rilevanti vari meccanismi di filtro o di discriminazione per essere individuati. E’ un discorso vecchio quanto il web, tuttavia la cosa interessante è che per molti musicisti la differenza la fanno ancora i tradizionali segni di demarcazione fra chi è da prendere (e viene preso) più seriamente - “interpretati” cioè come professionisti o aspiranti tali - e tutti gli altri: l’aver prodotto un album (con la possibilità peraltro di inviarlo ai vari media e gatekeeper, in quanto segmento del pubblico ricercato o perché ritenuti ancora in grado di orientarlo), il fatto di suonare in un locale che negli anni si è costruito una reputazione (al quale comunque non si arriverebbe solo grazie alla presenza su di un sito vetrina o social network musicale), la segnalazione appunto da parte di un magazine o di un sito o di un’altra fonte ritenuta “autorevole”. Ciò sembrerebbe ridimensionare il peso del passaparola e della peer reccomandation, almeno per quei musicisti che non hanno superato questa prima soglia. Tuttavia c’è un problema più sottile altro aspetto rilevante, che emerge dal disagio di alcuni musicisti verso il “self-management” tramite web-tools (non solo nelle chiacchierate o nelle mie interviste: in rete si trovano parecchie “lamentele”). Alcuni riconoscono come in realtà il bravo comunicatore che passa parecchio tempo a curare i propri interessi e a fare networking possa in effetti riuscire a costruirsi una certa fan-base, in grado di funzionare da propulsore per gli step successivi (dando come presupposta la validità del progetto, senza quindi entrare nel merito dell’incidenza del valore artistico). Tuttavia ciò richiede molto impegno, tanto più oggi rispetto a qualche anno fa, dato che raccomandazioni, raccomandati e raccomandanti aumentano in modo esponenziale e proporzionale all’adozione di questi strumenti. Molti musicisti si lamentano del tempo che ciò sottrae alla pratica e alla crescita musicale. Il self-management, il tempo passato a fare networking, a costruire e fidelizzare una community, hanno dei costi, che come ha osservato Cobol Pongide possono risultare decisivi per quei giovani non esplosi che devono fare altri lavori per mantenersi: nel loro caso il self-management non va solo a detrimento dell’investimento di tempo speso a suonare ma delle attività necessarie a mantenersi (uno dei tanti punti non considerati da Kevin Kelly e che indeboliscono assai le tesi esposte in 1.000 true fans). In sostanza: self-management e raccomandazioni possono funzionare ma i meccanismi che le rendono efficaci hanno un costo, che costituisce dunque un nuovo filtro o barriera, osservazione in controtendenza rispetto all’idea che la comunicazione virale via web risolva “di per sé” il problema delle barriere rappresentate dai costi di promozione.

 

Mi piacerebbe molto sentire l’opinione di altri musicisti su questi punti, conoscere le loro esperienze.

(un grazie a Cobol Pongide e ad Andrea Pontara)